Los artistas más relevantes de la década de 1990 en 2022 y más allá

Los artistas más relevantes de la década de 1990 en 2022 y más allá

 

Si fueras un niño en la década de 1990, podrías recordarla como una época de extraordinaria diversidad musical.

Los géneros comenzaron a diversificarse a medida que las bandas estaban bajo una presión cada vez mayor para probar algo nuevo para mantenerse “actuales”. A diferencia de los años 80, cuando el punk y el rock’n’roll tradicional dominaban la escena de la música pesada, el grunge, el rock alternativo, el industrial y el metal ganaron popularidad.

El advenimiento del metal industrial más “extremo” y la aparición de músicos como Marilyn Manson y Nine Inch Nails marcaron un cambio brusco en la tendencia hacia lo “oscuro y lúgubre” que había comenzado en la década de 1980 con bandas de rock gótico como Depeche Mode, Joy División y Hermanas de la Misericordia.

Sin embargo, en la década de 1990, la música más pesada comenzó a crearse y consumirse en una escala mucho mayor que en la década de 1980, cuando el rock, el punk y el metal eran en su mayoría una subcultura respaldada por sellos independientes y fanáticos apasionados.

El rock y el heavy metal han ganado popularidad y ya no se consideran “música para jóvenes rebeldes”. Una más moderna, refinada,
Los sellos discográficos los compraron y les dieron un lavado de cara actualizado, haciéndolos más “consumibles”.

Al mismo tiempo, la música pop y experimental estaban en auge, la música electrónica siguió siendo popular desde la década de 1980 y las fiestas clandestinas se convirtieron en importantes eventos culturales.

El rap y el hip-hop comenzaron a ganar popularidad en este momento y se transformaron en el género distintivo que conocemos hoy.
con músicos como Snoop Dogg y Jay Z convirtiéndose en íconos públicos reconocibles.

Tanto el R&B como el reggae siguieron siendo populares durante este tiempo, y los dos géneros se fusionaron rápidamente para crear nuevos y emocionantes reinos musicales;
Todos pudieron disfrutar de la música, que iba desde el ska hasta el electro-swing.

Con el auge de la diva de la música soul Whitney Houston en la década de 1990, que la vio vender más de 200 millones de álbumes en todo el mundo, el género despegó particularmente.

¿Qué música, entonces, todavía nos mueve hoy? Repasemos algunos de los músicos que mejor han envejecido en los últimos 30 años para refrescarnos la memoria.

Chapman, Tracy

Una de las vocalistas políticas más consumadas de la era moderna, Tracy Chapman es reconocible al instante.

Las palabras y la voz de Chapman, activista por los derechos de los negros y LGBTQIA+ y cantautor, tienen un carácter tradicionalmente básico pero poderosamente expresivo.
Tiene un don notable para escribir canciones de blues que son a la vez memorables y profundas, que se relacionan con su compromiso político.

Particularmente Talkin’ About A Revolution, que se ha convertido en una canción contemporánea para el activismo negro y LGBTQIA+.
Continúa apoyando esos temas políticos con un fuerte compromiso y como voluntaria para Amnistía Internacional y AIDS/Lifecycle.

El mundo en general conoce pocos detalles de la vida privada de Chapman, y ella siempre ha sido un poco solitaria.

A lo largo de la mayor parte de su carrera, mantuvo en secreto su conexión con Alice Walker, autora de la obra maestra Black LGBTQIA+ The Color Purple.
Chapman buscó resaltar su causa en lugar de ella misma, y

Sin duda, las canciones de Tracy Chapman tuvieron un gran impacto, aunque no siempre a propósito. En 2018,
Chapman presentó una demanda contra Nikki Minaj por violar los derechos de autor de Baby Can I Hold You en su canción Sorry, y finalmente recibió un acuerdo de $ 450,000.

Björk

Es una cantante, compositora e intérprete visual islandesa que empuja continuamente los límites de la creatividad y la cultura en sus canciones. Ella es una persona que genuinamente pone el “arte” en “artista”.

El don de la música de Björk era invitar a la reflexión sin ser sombrío, a diferencia de algunas de las bandas más oscuras de la década de 1990.

Miró a través de los ojos de un niño, pero poseía el conocimiento de las edades.
Su música desde la década de 1990 en adelante fue distintiva, excéntrica y creativa, jugando con las oposiciones entre la tecnología y la naturaleza.

Teniendo en cuenta el conflicto entre la paz y la guerra, producir música intrincada rica en profundidad y sonidos experimentales.

Björk tuvo un papel importante en la utilización de una variedad de sonidos de otras civilizaciones, inspirándose tanto en su cultura nativa islandesa como en la música occidentalizada.
y una variedad de tambores tribales.

En la década de 1990, cuando las bandas ‘Riot Grrl’ y otros movimientos abiertamente feministas ganaron popularidad, la feminidad estaba siendo reclamada.

Debido a que la música de Björk ignoraba por completo las ideas preconcebidas de género, es posible que se haya adelantado a su tiempo en este sentido.

Al rechazar las nociones prevalecientes de “fuerza” o “dureza”, canciones como “Venus As A Boy” cambiaron la narrativa que rodeaba la masculinidad tradicional al enfatizar las virtudes de la compasión y el amor desinteresado en los hombres.

De manera similar a cómo aborda la religión, varias de sus canciones, como Earth Intruders y Human Behaviour, muestran sus puntos de vista filosóficos sobre la civilización humana.
Aunque algunas personas pueden parecer al principio en contra de cómo los humanos están afectando el medio ambiente, la perspectiva matizada de Björk sobre la vida cubre todos los lados de la historia.

Ella escribe en The Modern Things sobre cómo “todas las cosas modernas… han estado esperando en una montaña, pero siempre han estado ahí.
Tal vez una afirmación de que la naturaleza y la naturaleza humana son igualmente naturales.

Nirvana

Incluso solo mencionar la década de 1990 trae a la mente a Nirvana y su triste líder, Kurt Cobain.

La mezcla complicada y paradójica de nihilismo sombrío y ferviente actividad social en la música de Nirvana capturó perfectamente los sentimientos sociales de la generación más joven en ese momento.

Los temas tratados por Nirvana fueron con frecuencia sombríos, incluidas numerosas canciones sobre el abuso de drogas, la agresión sexual, el sexismo, el racismo y la homofobia.
Sin embargo, estos temas nunca se utilizaron como una táctica de choque.

Cuando los escritos de Cobain se hicieron públicos después de su muerte en 1994, las canciones de la banda amplificaron su visión social y su convicción de hacer del mundo un lugar mejor.
Quizás, como resultado, Nirvana ahora es aún más relevante en la era #MeToo y #BlackLivesMatter.

Nirvana inventó un sonido que más tarde llegaría a caracterizar el género musical grunge. Era un sonido salvaje, crudo y gutural. Combinando el entusiasmo desenfrenado del punk con el “refinamiento” de la música comercial,
Una juventud oprimida y alienada encontró el grunge atractivo.

Weezer, Oasis y otros grupos de rock “más vanguardistas” intentaron más tarde replicar el sonido “Nirvana”.
y los Foo Fighters, que eran tan dedicados que tocaban a decibeles que prácticamente hacían temblar el suelo, pero
Pocos han producido música que fuera realmente revolucionaria en los temas que cubría.

Además de expresar sus emociones en el escenario, Nirvana no dudó en apegarse a sus principios musicales y éticos.